Русский феномен

КАМЕРТОН

Русский театр заявляет о себе на сломе эпох, обретая собственный голос, стиль и приемы. Актеры по всему миру пользуются системой Станиславского. «Три сестры», «Дядя Ваня» и другие пьесы Антона Чехова не сходят со сцен Москвы, Санкт-Петербурга, Лондона и Нью-Йорка уже второе столетие.

В новом выпуске «Русского феномена» расскажем, как сегодня ищут новые жанры, что такое

иммерсивное искусство, кто и зачем его создает.

До середины 19 века главный в театральной постановке — драматург, автор текста. Он управляет спектаклем и руководит актерской игрой. К концу века театр становится режиссерским. Это переворачивает и его суть, и его технику.

Много лет спустя актер и педагог Михаил Чехов в лекции для американских студентов «О пяти великих русских режиссерах» скажет о значении ранней русской режиссуры не только для национальной, но и для мировой сцены: все они (режиссеры) в итоге расширили пределы театра, открыли свободу в выборе творческого метода. «Главный урок раннего режиссерского театра. Все совместимо и сочетаемо! Смелость! Свобода! Так воспитали нас Станиславский, Мейерхольд, Таиров и другие».

Русский театр заявляет о себе на сломе эпох, обретая собственный голос, стиль и приемы. Актеры по всему миру

пользуются системой Станиславского.

«Три сестры», «Дядя Ваня» и другие пьесы Антона Чехова не сходят со сцен Москвы, Санкт-Петербурга, Лондона и Нью-Йорка уже второе столетие.

В новом выпуске «Русского феномена» расскажем, как сегодня ищут новые жанры, что такое иммерсивное искусство, кто и зачем его создает.

До середины 19 века главный в театральной постановке — драматург, автор текста. Он управляет спектаклем и руководит
актерской игрой. К концу века театр становится режиссерским. Это переворачивает и его суть, и его технику.

Много лет спустя актер и педагог Михаил Чехов в лекции для американских студентов «О пяти великих русских режиссерах» скажет о значении ранней русской режиссуры не только для национальной, но и для мировой сцены: все они (режиссеры) в итоге расширили пределы театра, открыли свободу в выборе творческого метода.

«Главный урок раннего режиссерского театра. Все совместимо и сочетаемо! Смелость! Свобода! Так воспитали нас Станиславский, Мейерхольд, Таиров и другие».

Дядя Ваня. А. Чехов.
Постер. МХТ

Зал МХАТ им. Горького

Интерьер театра. Неизвестный художник, 1809 год

Константин СТАНИСЛАВСКИЙ

июне 1897 году в московском ресторане «Славянский базар» встретились актер, руководитель
школы Московского филармонического общества Владимир Немирович-Данченко и молодой актер Константин Станиславский. Они проговорили 18 часов: обсуждая создание своего свободного, независимого, художественного театра, противостоящего казенной сцене.

июне 1897 году в московском ресторане «Славянский базар» встретились актер,

руководитель школы Московского

филармонического общества Владимир Немирович-Данченко и молодой актер Константин Станиславский. Они проговорили
18 часов: обсуждая создание своего свободного, независимого, художественного театра, противостоящего казенной сцене.

Немирович-Данченко вспоминал: «Не было ни одного места в старом театре, на какое мы оба не обрушились бы с критикой беспощадной. <…> Не было ни одной части во всем сложном театральном организме, для которой у нас не оказалось бы реформы, реорганизации или даже полной революции». Через год был открыт Московский художественный театр — МХТ.

«Не было ни одного места в старом театре, на какое мы
оба не обрушились бы с критикой беспощадной. <…>
Не было ни одной части во всем сложном театральном организме, для которой у нас
не оказалось бы реформы, реорганизации или даже
полной революции», -
вспоминал Немирович-Данченко

Первым зрителям представили трагедию Алексея Толстого «Царь Фёдор Иоаннович». Критика сразу признала, что это новое слово в театральном искусстве России - славила оригинальность режиссерского решения и новизну приёмов. Затем руководитель театра Немерович-Данченко буквально вымолил у Чехова «Чайку» и в декабре 1898-го состоялась триумфальная премьера пьесы. Театр становится камертоном эпохи — на его сцене ставятся самые актуальные пьесы того времени. И еще МХТ - первый общедоступный театр в России!

После революции на его сцене (единственной в Москве) ставят «Дни Турбиных» гонимого тогда Михаила Булгакова. Постоянный зритель спектакля - Иосиф Сталин. В 1922 году МХАТ под руководством Станиславского отправился на длительные гастроли за рубеж, часть труппы домой решила не возвращаться. В некотором роде это поспособствовало тому, что о системе Станиславского узнали во всех европейских странах.

Начинается, так называемый, психологический театр. Константин Станиславский соединяет все известные к тому времени принципы режиссуры и актерского мастерства и предлагает совершенно новый подход игры актера на сцене. Его цель - правду жизненную возвести в правду художественную. Собственно театр в привычном для нас его понимании начинается именно здесь, в МХТ Станиславского.

Не ремесло, а искусство переживания — вот задача актера. Сегодня уникальной системой актерской техникой, разработанной Станиславским, пользуются актеры по всему миру. Джеймс Дин, Марлон Брандо, Роберт Де Ниро, Леонардо Ди Каприо признавались — чтобы подготовиться к роли берут разные инструменты, в том числе приемы Станиславского.

В январе 2023 года исполнится 160 лет со дня рождения режиссера, актера, педагога и основателя Московского художественного театра Константина Станиславского.

Первым зрителям представили трагедию
Алексея Толстого «Царь Фёдор Иоаннович».
Критика сразу признала, что это новое слово
в театральном искусстве России - славила
оригинальность режиссерского решения
и новизну приёмов. Затем руководитель театра

Немерович-Данченко буквально вымолил
у Чехова «Чайку» и в декабре 1898-го состоялась триумфальная премьера пьесы.

Театр становится камертоном эпохи — на его
сцене ставятся самые актуальные пьесы того
времени. И еще МХТ - первый общедоступный
театр в России! После революции на его сцене

(единственной в Москве) ставят
«Дни Турбиных» гонимого тогда Михаила
Булгакова. Постоянный зритель спектакля -
Иосиф Сталин. В 1922 году МХАТ под
руководством Станиславского отправился на
длительные гастроли за рубеж, часть труппы
домой решила не возвращаться. В некотором
роде это поспособствовало тому, что о системе Станиславского узнали во всех европейских
странах.

Начинается, так называемый, психологический
театр. Константин Станиславский соединяет
все известные к тому времени принципы
режиссуры и актерского мастерства
и предлагает совершенно новый подход игры

актера на сцене. Его цель - правду жизненную
возвести в правду художественную.
Собственно театр в привычном для нас
его понимании начинается именно здесь,
в МХТ Станиславского.

Не ремесло, а искусство переживания — вот
задача актера. Сегодня уникальной системой
актерской техникой, разработанной
Станиславским, пользуются актеры по всему

миру. Джеймс Дин, Марлон Брандо, Роберт Де
Ниро, Леонардо Ди Каприо признавались —
чтобы подготовиться к роли берут разные
инструменты, в том числе приемы
Станиславского.

В январе 2023 года исполнится 160 лет
со дня рождения режиссера, актера, педагога
и основателя Московского художественного
театра Константина Станиславского.

Открытие МХТ, 14 октября 1898 года «Царь Федор Иоанович» А. Толстого

А.Чехов, «Чайка» Афиша МХТ, 1901 год

МХТ и его основатели Источник: Московский областной архивный центр

Станиславский и Немерович Данченко

Открытие МХТ, 14 октября 1898 года «Царь Федор Иоанович» А. Толстого

А.Чехов, «Чайка» Афиша МХТ, 1901 год

МХТ и его основатели
Источник: Московский областной архивный центр

Станиславский и Немерович Данченко

Сцена из оперы Модеста Мусоргского
«Борис Годунов» в постановке Константина
Станиславского и Ивана Москвина.

Сцена из спектакля «Евгений Онегин» в постановке Константина Станиславского

Константин Станиславский на репетиции оперы Гаэтано Доницетти «Дон Паскуале»

Сцена из спектакля «Евгений Онегин» в постановке Константина Станиславского

Константин Станиславский на репетиции оперы Гаэтано Доницетти «Дон Паскуале»

Сцена из оперы Модеста Мусоргского
«Борис Годунов» в постановке Константина
Станиславского и Ивана Москвина.

ДРАМА РЕЖИССЕРА

ругая звезда МХТ Всеволод Мейерхольд неожиданно покидает его, чтобы основать свой «театр-
балаган». Вслед за учителем Станиславским продолжает искать новые сценические формы. Условность как противопоставление психологическому театру привлекает Мейерхольда.

В канун нового 1907 года он ставит на сцене петербургского театра Комиссаржевской «Балаганчик» (Александр Блок). В его балагане нет жесткой литературной основы, актер играет «жизненную реальность».

Несмотря на всю противоречивость, имя Мейерхольда прочно вошло в театральную практику. Он разрабатывает биомеханику - комплекс упражнений, системы актерских тренингов, позволяющих актеру естественно управлять механизмами движений тела и циркуляцией энергии. Ведь возможности души и тела почти безграничны. Мейерхольд предлагает не пускать энергию на самотек, что приводит к неровной актерской игре, срывам и непредсказуемости.

Чем не обращение к телесным и духовным практикам? У Мейерхольда они занимают два тома.

ругая звезда МХТ Всеволод Мейерхольд неожиданно покидает его, чтобы основать свой «театр-

балаган». Вслед за учителем Станиславским продолжает искать новые сценические формы. Условность как противопоставление психологическому театру привлекает Мейерхольда.

В канун нового 1907 года он ставит на сцене петербургского театра Комиссаржевской «Балаганчик» (Александр Блок). В его балагане нет жесткой литературной основы, актер играет «жизненную реальность».

Несмотря на всю противоречивость, имя Мейерхольда прочно вошло в театральную практику. Он разрабатывает биомеханику -

комплекс упражнений, системы актерских тренингов, позволяющих актеру естественно управлять механизмами движений тела и циркуляцией энергии. Ведь возможности души и тела почти безграничны. Мейерхольд предлагает не пускать энергию на самотек, что приводит к неровной актерской игре, срывам и непредсказуемости.

Чем не обращение к телесным и духовным практикам? У Мейерхольда они занимают два тома.

Театр В. Мейерхольда

Декорации Л.С. Поповой к спектаклю
В. Мейерхольда «Великодушный рогоносец»

Сцена из одного из спектаклей экспериментального театра В. Мейерхольда

Театр В. Мейерхольда

Декорации Л.С. Поповой к спектаклю В.
Мейерхольда «Великодушный рогоносец»

Сцена из одного из спектаклей экспериментального театра В. Мейерхольда

Театр В. Мейерхольда

Антон Чехов

еатр дышал злобой, воздух спёрся от ненависти, и я — по законам физики — вылетел из Петербурга, как бомба», - так

описывал Антон Чехов атмосферу на премьере своей пьесы «Чайка» в Александрийском театре в 1896 гг.

еатр дышал злобой,
воздух спёрся от

ненависти, и я — по законам физики — вылетел из Петербурга, как бомба», -
так описывал Антон Чехов атмосферу на премьере своей пьесы «Чайка» в Александрийском театре в 1896 гг.

Не дождавшись окончания спектакля, он сбежал из театра и из Петербурга. По завершении — шквал критики, публика ожидала комедию, критики тоже ничего не поняли. Не вписывались в каноны старого русского театра.

Почему же случился провал? Актеры не сумели проникнуться замыслом автора. Чехова просто не поняли. Настолько новаторской пьесой оказалась «Чайка» - «трагичнейшей комедии в русской комедиографии».

После оглушительного провала Чехов зарекся не писать для сцены: «Если я проживу ещё семьсот лет, то и тогда не дам на театр ни одной пьесы». Немирович-Данченко ездил к писателю в Ялту и умолял драматурга разрешить ему показать «Чайку» на сцене МХАТа. Мол, это единственная современная пьеса, захватывающая его как режиссёра, а Чехов — «единственный современный писатель». Одна попытка!

И вот в 1898 г. на сцене МХАТ случается ошеломляющий успех «Чайки»! Новая постановка определила мировую славу Чехова-драматурга, МХТ и изменила театральное искусство XX века.

Четыре чеховские драмы («Чайки», «Три сестры», «Вишневый сад», «Дядя Ваня») станут программной основой художественного театра, лабораторией, где были сделаны важнейшие открытия в области режиссерского психологического театра.

Не дождавшись окончания спектакля,
он сбежал из театра и из Петербурга.
По завершении — шквал критики, публика ожидала комедию, критики тоже ничего не поняли. Не вписывались в каноны старого русского театра.

Почему же случился провал? Актеры не сумели проникнуться замыслом автора. Чехова просто не поняли. Настолько новаторской пьесой оказалась «Чайка» - «трагичнейшей комедии
в русской комедиографии».

После оглушительного провала Чехов зарекся не писать для сцены: «Если я проживу ещё семьсот лет, то и тогда не дам на театр ни одной пьесы». Немирович-Данченко ездил к писателю в Ялту
и умолял драматурга разрешить ему показать «Чайку» на сцене МХАТа. Мол, это единственная современная пьеса, захватывающая его как режиссёра, а Чехов — «единственный современный писатель». Одна попытка!

И вот в 1898 г. на сцене МХАТ случается ошеломляющий успех «Чайки»! Новая постановка определила мировую славу Чехова-драматурга, МХТ и изменила театральное искусство XX века.

Четыре чеховские драмы («Чайки», «Три сестры», «Вишневый сад», «Дядя Ваня») станут программной основой художественного театра, лабораторией, где были сделаны важнейшие открытия в области режиссерского психологического театра.

Антон Чехов сцена
из спектакля «Дядя Ваня»

Антон Чехов «Вишневый Сад» МХТ Афиша пьесы

Антон Чехов за чтением пьесы
с артистами МХТ, 1898 год

АЛЕКСАНДР ЛЕГЧАКОВ

ммерсивный театр — форма нового времени, интерактивный театр, где зрителя пытаются физически, насколько возможно, погрузить в спектакль. Одной актерской игрой теперь не обходится. Театр отказывается от сцены, публика становится участником разворачивающегося действа.

ммерсивный театр — форма нового времени, интерактивный театр, где зрителя пытаются физически,

Худрук Московского оперного дома Александр Легчаков вводит иммерсивные сюжеты в сферу казалось бы махровой классики — в оперу. Иммерсивная опера-променад «Пиковая Дама», затем «Иоланта». Несколько лет назад Легчаков поставил «хип-хоперу» (хип-хоп + опера) «Копы в огне». Покусился на святое — получил ошеломляющий успех у зрителя. Теперь в любви к опере признаются те, кто считал это искусство уделом хмурых интеллектуалов.

насколько возможно, погрузить в спектакль. Одной актерской игрой теперь не обходится. Театр отказывается от сцены, публика становится участником разворачивающегося действа.

Худрук Московского оперного дома Александр Легчаков вводит иммерсивные сюжеты в сферу казалось бы махровой классики — в оперу. Иммерсивная опера-променад «Пиковая Дама»,

затем «Иоланта». Несколько лет назад Легчаков поставил «хип-хоперу» (хип-хоп + опера) «Копы в огне». Покусился на святое — получил ошеломляющий успех у зрителя. Теперь в любви к опере признаются те, кто считал это искусство уделом хмурых интеллектуалов.

Легачков говорит - это уникальный жанр, существует только в его оперном доме: «Мысль о том, чтобы перенести иммерсивность на оперный материал, никому, кроме нас, в голову не приходила... Сейчас уже мы играем в особняке Гончарова-Филипповых, который будто переносит зрителя в пушкинскую эпоху, где Пиковая дама владела секретом трех карт... Для зрителя реальность стирается, все действие происходит рядом с тобой, актеры поют на расстоянии вытянутой руки, Германн сходит с ума возле твоих ног.

Зрители осознают, что опера — это не далекое академическое действо, а квинтэссенция искусства, жанр, который способен трансформировать, особенно в сочетании с гениальной музыкой Чайковского. Мы изменили только формат восприятия».

Легачков говорит - это уникальный жанр, существует только в его оперном доме: «Мысль о том, чтобы перенести иммерсивность на оперный материал, никому, кроме нас, в голову не приходила...
Сейчас уже мы играем
в особняке Гончарова-Филипповых, который
будто переносит зрителя в пушкинскую эпоху, где Пиковая дама владела
секретом трех карт...
Для зрителя реальность стирается, все действие происходит рядом с тобой, актеры поют на расстоянии вытянутой руки, Германн сходит с ума возле твоих ног.

Зрители осознают, что опера — это не далекое академическое действо, а квинтэссенция искусства, жанр, который способен трансформировать, особенно в сочетании
с гениальной музыкой Чайковского. Мы изменили только формат восприятия».

Так близко к зрителю театр еще не подходил.

Александр Легчаков говорит — это есть пушкинизация «Пиковой дамы», мол, вернул
ее к родной версии. В 1935 году Меерхольд делал тоже самое и тоже назвал это пушкинизацией «Пиковой дамы».

Иммерсивный спектакль
«Пиковая Дамма» А. Легчаков

ГАЛИНА ВОЙНИЧЕНКО

дна из исполнительниц в «Пиковой даме» Легчакова — артистка Большого театра Галина Войниченко.

«Она обаятельный и тонкий человек, свою Лизу подает без чрезмерного актерства. Поет воздушно, ее звучание — не спинтовое, а более лирическое», - говорит о своей партнерше Петр Налич, играющий в опере Германа.

дна из исполнительниц
в «Пиковой даме»

Легчакова — артистка
Большого театра Галина Войниченко. «Она обаятельный

и тонкий человек, свою
Лизу подает без чрезмерного актерства. Поет воздушно, ее звучание — не спинтовое,
а более лирическое», - говорит
о своей партнерше Петр Налич, играющий в опере Германа.

Музыкальный театр — отдельный вид, требующий от артиста особой подготовки. И здесь Войниченко выделяется и вокальным мастерством, и артистической одаренностью. Интересы ее в музыки разноплановы, амплуа - разнообразны. Отдельная любовь артистки — выступления для детей, для них у Войниченко специальная программа с репертуаром от Чайковского и Мусоргского до композиций на стихи Владимира Маяковского и Агнии Барто. Веселые, интересные произведения она чередует со сложными и глубокими. Исходит из того, что в «маленьких зрителей нужно не только развлекать, но воспитывать доброту и сострадание». Музыка для этого — прекрасный медиатор.

Войниченко ведет активную концертную и просветительскую деятельность. В марте 2015 г. состоялся первый сольный концерт в Париже. В 2016 году в постановке оперы «Манон Леско» с Анной Нетребко исполнила партию сопрано в квартете из второго акта.

Музыкальный театр — отдельный вид, требующий от артиста особой подготовки.
И здесь Войниченко выделяется и вокальным мастерством, и артистической одаренностью. Интересы ее в музыки разноплановы, амплуа - разнообразны. Отдельная любовь артистки — выступления для детей, для них у Войниченко

специальная программа с репертуаром от Чайковского и Мусоргского до композиций
на стихи Владимира Маяковского и Агнии
Барто. Веселые, интересные произведения
она чередует со сложными и глубокими.

Исходит из того, что в «маленьких зрителей нужно не только развлекать, но воспитывать доброту и сострадание». Музыка для этого — прекрасный медиатор.

Войниченко ведет активную концертную
и просветительскую деятельность. В марте 2015 г. состоялся первый сольный концерт в Париже. В 2016 году в постановке оперы «Манон Леско»
с Анной Нетребко исполнила партию сопрано
в квартете из второго акта.

Фотографии из личного архива Галина Войниченко

АЛЕКСАНДР ВИСЛОВ

ецентрализация театра — как новая веха в развитии.
Драматург, режиссер, театровед стоял у истоков национальной премии «Золотая маска». Вислов не просто театральный критик с именем, он знаток, почитатель, «собиратель»

провинциального театра.

ецентрализация театра — как новая веха в развитии.

Драматург, режиссер, театровед стоял

у истоков национальной премии «Золотая маска». Вислов не просто театральный критик
с именем, он знаток, почитатель, «собиратель»

«Я люблю провинциальный театр. Он — настоящий!», - говорит режисер. Он сам ставит спектакли-эскизы в Новокузнецкой драме, ездит по театрам России. Считает, развитие культуры в регионах «упирается в одно: если в городе есть человек, который любит и поддерживает театр, то этот город присутствует на театральной карте России».

«Я люблю провинциальный театр. Он — настоящий!», - говорит режисер. Он сам
ставит спектакли-эскизы
в Новокузнецкой драме,
ездит по театрам России. Считает, развитие культуры в регионах «упирается в одно: если в городе есть человек, который любит и поддерживает театр, то этот город присутствует на театральной карте России».

Вислов много работает с молодыми режиссерами. Некоторые из них едут в провинцию, возглавляют региональные театры.

Вислов много работает с молодыми
режиссерами. Некоторые из них едут в провинцию, возглавляют региональные театры.

«Мне всегда было интересно открывать новые территории и новые театры, новые зоны и места силы, которых сейчас в России довольно много. Не только в больших, но и в маленьких городах... Сегодня для театра не так важно, какое население в городе, и каких размеров театр, дело в желании, в интенции, в компании и человеке, который стоит во главе всего этого дела. Все упирается, как всегда, в вопрос роли личности в истории», - говорит Вислов.

«Мне всегда было интересно открывать новые территории и новые театры, новые зоны
и места силы, которых сейчас в России довольно много. Не только в больших, но и в маленьких городах... Сегодня для театра не так важно, какое население в городе, и каких размеров театр, дело в желании, в интенции, в компании и человеке, который стоит во главе всего этого дела. Все упирается, как всегда, в вопрос роли личности
в истории», - говорит Вислов.

Новокузнецкий Драматический театр, Постановка Александра Вислова

Новокузнецкий Драматический театр. Театральная лаборатория «Электрификация»

Театральная лаборатория «Избранное» «Театра на Спасской» Александр Висков

АНТОН МАКАРСКИЙ

е опера, но мюзикл сделали Антона Макарского звездой современного театра. Невероятные бродвейские «Метро» и «Нотр-Дам де Пари» исполнили в Москве не гастрольные труппы. Шедевры мировой музыкальной сцены спели нашими голосами, открыв российской публике поп-культуру нового порядка. Тенор Антон Макарский сыграл в мюзикле «Нотр-Дам де Пари» капитана Феба де Шатопера. Сегодня он продолжает сольную карьеру.

е опера, но мюзикл сделали Антона Макарского звездой современного театра. Невероятные бродвейские

«Метро» и «Нотр-Дам де Пари» исполнили в Москве не гастрольные труппы. Шедевры мировой музыкальной сцены спели нашими голосами, открыв российской публике поп-культуру нового порядка. Тенор Антон Макарский сыграл в мюзикле «Нотр-Дам де Пари» капитана Феба де Шатопера. Сегодня он продолжает сольную карьеру.

«Метро» и «Нотр-Дам де Пари» исполнили

в Москве не гастрольные труппы.
Шедевры мировой музыкальной сцены спели нашими голосами, открыв российской публике поп-культуру нового порядка. Тенор Антон Макарский сыграл в мюзикле «Нотр-Дам де Пари» капитана Феба де Шатопера.
Сегодня он продолжает сольную карьеру.

Концерт Антона и Виктории Макарских Санкт-Петербург 2017 год

Фотографии из личного архива Антона Макарского

Концерт Антона и Виктории Макарских Санкт-Петербург 2017 год

Фотографии из личного архива Антона Макарского

Концерт Антона и Виктории Макарских Санкт-Петербург 2017 год

ЮРИЙ ЧУРСИН

звестен и любим зрителем по многочисленным ролям в кино и телесериалах. Театральная же публика видела куда более глубокие образы, о Чурсине говорят — актер-хамелеон. Сципиона в «Калигуле» Вахтанговского, работы в отнюдь неклассических постановках МХТ «Лес», «Изображая жертву», «Господа Головлевы». Актер вообще становится фронт-меном на сцене

Кирилла Серебряникова («Откровенные полароидные снимки», спектакль-триллер «Человек-подушка»). Чурсин невероятно вписался в новый театр с его постмодернистским монтажом, мультижанровостью и — как это уже было на рубеже прошлого столетия — ярким социальным манифестом, попыткой осмысления современности.

звестен и любим зрителем по многочисленным ролям в кино
и телесериалах. Театральная же

Кирилла Серебряникова («Откровенные полароидные снимки», спектакль-триллер

«Человек-подушка»). Чурсин невероятно вписался в новый театр с его постмодернистским
монтажом, мультижанровостью и — как это уже было на рубеже прошлого столетия — ярким социальным манифестом, попыткой осмысления современности.

Прощание Роксаны и Сирано (Паулина Андреева и Юрий Чурсин)

Юрий Чурсин. Спектакль «Сирано де Бержерак», Московский художественный театр имени А. П. Чехова

Юрий Чурсин.
Спектакль «Кинастон», Московского
художественного театра имени

Прощание Роксаны и Сирано (Паулина Андреева и Юрий Чурсин)

Юрий Чурсин. Спектакль «Сирано де Бержерак», Московский художественный театр имени А. П. Чехова

Юрий Чурсин. Спектакль «Кинастон», Московского художественного театра имени

ЛАРИСА ЛУППИАН

ародная артистка РФ Лариса Луппиан несколько лет назад возглавила легендарный театр Ленсовета (основан энтузиастами в 1933 году).

Доступный для новых авторов и зрителей. Также полвека назад сделал ее предшественник на посту

советский актер и режиссер Игорь Владимиров. Ему удалось не только вывести театр из творческого кризиса, но, обновив труппу, добиться его уникальности. Как и Владимиров Луппиан делает ставку на молодых.

ародная артистка РФ Лариса Луппиан несколько лет назад возглавила легендарный театр Ленсовета

(основан энтузиастами в 1933 году).

Доступный для новых авторов и зрителей.
Также полвека назад сделал ее предшественник на посту советский актер и режиссер Игорь Владимиров. Ему удалось не только вывести театр из творческого кризиса, но, обновив труппу, добиться его уникальности.

Как и Владимиров Луппиан делает
ставку на молодых.

«Наш театр одно время назывался Открытый театр, и вот сейчас у нас тоже будет открытый театр: городской, общедоступный театр для всех», — говорит Луппиан.

«Мы будем разных приглашать режиссеров — и классических, и авангардных, - говорит худрук. - Я надеюсь, что у нас появится это разнообразие... Театр откроет свои двери и для молодых, пока не столь известных авторов. У нас очень много заявок от молодых режиссеров».

«Наш театр одно время назывался Открытый театр,
и вот сейчас у нас тоже будет открытый театр: городской, общедоступный театр для всех», — говорит Луппиан.

«Мы будем разных приглашать режиссеров — и классических, и авангардных, - говорит худрук. - Я надеюсь, что у нас появится это разнообразие... Театр откроет свои двери и для молодых, пока не столь известных авторов. У нас
очень много заявок
от молодых режиссеров».

Спекталкь «Смешанные чувства». Театр им. Ленсовета. Лариса Луппиан и Михаил Боярский

Гастроли театра им. Ленсовета в сургуте 2020 год, Лариса Луппиан и Михаил Боярский

Спектакль «В этом милом доме». Лариса Луппиан и Михаил Боярский. Источник: театр им. Ленсовета.

Спекталкь «Смешанные чувства». Театр им. Ленсовета. Лариса Луппиан и Михаил Боярский

Гастроли театра им. Ленсовета в сургуте 2020 год, Лариса Луппиан и Михаил Боярский

Спектакль «В этом милом доме». Лариса Луппиан и Михаил Боярский. Источник: театр им. Ленсовета.

РОМАН КОЧЕРЖЕВСКИЙ

Один из перспективных современных режиссеров российской театральной сцены — Роман Кочержевский. Критики высоко оценили его собственную инсценировку гоголевских «Мертвых душ». Бессмертные образы Гоголя — на все времена - Кочержевский переносит героев в интерьеры

70-х годов XX века. Актеры предстают в джинсах-клеш, «тройках», на сцене старинная мебель или

купленная в «Икее» - временной антураж больше не имеет значения, все равно это про нас.

дин из перспективных современных режиссеров российской театральной сцены — Роман Кочержевский.

Критики высоко оценили его собственную инсценировку гоголевских «Мертвых душ». Бессмертные образы Гоголя — на все времена - Кочержевский переносит героев в интерьеры 70-х годов XX века. Актеры предстают в джинсах-клеш, «тройках», на сцене старинная мебель или

купленная в «Икее» - временной антураж больше не имеет значения, все равно это про нас.

«Спектакль молодого режиссера Романа Кочержевского – это тоска по живой душе в круговороте душ
мертвых», - рапортовали критики.

«Спектакль молодого режиссера Романа Кочержевского – это тоска по живой душе
в круговороте душ
мертвых», - рапортовали критики.

Роман Кочержевский. Спектакль
«Утиная охота». Фото: Юлии Кудряшовой

Роман Кочержевский. Спектакль «Макбет Кино», режиссер Юрий Бутусов

Роман Кочержевский. Спектакль «Мертвые души», Фото: Юлии Смелкиной